http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/issue/feed Imagofagia 2021-12-09T06:08:31-03:00 Imagofagia imagofagia@gmail.com Open Journal Systems <p><strong><em>Imagofagia</em></strong> fue fundada en 2009 por la Asociación Argentina de Estudios de Cine y Audiovisual (AsAECA). Su primera directora fue Ana Laura Lusnich (números 1 al 6). Desde el séptimo número la revista cuenta con una nueva supervisión, con dirección de Cynthia Tompkins, codirección de Andrea Cuarterolo y Romina Smiraglia, y la labor sostenida del comité editorial. A partir del decimoquinto número Natalia Christofoletti Barrenha reemplazó a Andrea en la codirección. Finalmente, desde el vigésimoprimer número la codirección de la revista pasó a manos de Fábio Allan Mendes Ramalho y Silvana Flores.</p> <p>En términos del contenido los artículos, evaluados por pares, se distribuyen entre la secciones inaugurales Presentes, Pasados y Teorías. Las Entrevistas y Críticas brindan la oportunidad de tomarle el pulso a la industria y a sus creadores. También publicamos Traducciones de textos relevantes y Reseñas de obras bibliográficas sobre cine y audiovisual. Se invita a los integrantes de AsAECA a presentar propuestas de Dossier, a fin de profundizar sobre un tema mediante una serie de artículos que investiguen sus diferentes aristas. Además, la revista incluye anualmente una serie de (cinco) artículos premiados en el Concurso de Ensayos sobre Cine y Audiovisual "Domingo Di Núbila", co-auspiciado por el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y AsAECA.</p> http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/813 Editorial IMAGOFAGIA No 24 2021-12-03T15:27:14-03:00 Comité Editorial imagofagia@gmail.com <p>Editorial Nº 24</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/841 Cineasta del Perú profundo. Entrevista con Nora de Izcue (Parte 2) 2021-12-07T16:30:00-03:00 Carla Daniela Rabelo Rodrigues carlarabelo@unipampa.edu.br <p>Entrevista con Nora de Izcue (Parte 2)</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/814 Consumos audiovisuales en una ciudad media de la Argentina: el caso de Rafaela 2021-12-03T15:40:45-03:00 José Antonio Borello joseborello@gmail.com Rosana Torres torresrosana@hotmail.com <p>Resumen: Este trabajo hace una contribución al conocimiento existente sobre los consumos culturales y audiovisuales en ciudades medias a través de una encuesta realizada en la ciudad de Rafaela, provincia de Santa Fe. El artículo confirma ciertas regularidades ya observadas en relevamientos similares en otras ciudades, pero también aporta algunos elementos novedosos a las teorías existentes sobre los consumos culturales y, especialmente, audiovisuales. Por ejemplo, sugiere ciertas transformaciones en la propia noción del consumo audiovisual como una actividad discreta y señala la omnipresencia del celular como vehículo integrador de consumos. Este artículo también muestra, en su apartado metodológico, la potencialidad de un arreglo institucional (entre una universidad pública y el instituto de estadísticas de un gobierno municipal), que ha sido pocas veces ensayado en el contexto argentino para la realización de un estudio de esta naturaleza.</p> <p>Palabras clave: consumo audiovisual, Rafaela, encuestas, consumos culturales.</p> <p>Consumo audiovisual em uma cidade média da Argentina: O caso de Rafaela</p> <p>Resumo: Este trabalho traz uma contribuição ao conhecimento existente sobre o consumo cultural e audiovisual em cidades de médio porte por meio de uma pesquisa realizada na cidade de Rafaela, província de Santa Fe. O artigo confirma certas regularidades já observadas em investigações semelhantes em outros municípios, mas também acrescenta novos elementos às teorias existentes sobre o consumo cultural e, principalmente, audiovisual. Por exemplo, sugere certas transformações na própria noção de consumo audiovisual como atividade discreta e aponta a onipresença do celular como veículo integrador do consumo. Este artigo também mostra, na seção metodológica, o potencial de um acordo institucional (entre uma universidade pública e o instituto de estatística de uma prefeitura), que raramente foi testado no contexto argentino para a realização de um estudo desta natureza.</p> <p>Palavras-chave: consumo audiovisual, Rafaela, pesquisa, consumos culturais.</p> <p>Audiovisual consumption in a medium-sized city in Argentina: The case of Rafaela</p> <p>Abstract: This article contributes to the existing knowledge about cultural and audiovisual consumption in medium-sized cities through a survey carried out in the city of Rafaela, province of Santa Fe. While it confirms certain regularities observed in similar surveys it also provides some new elements to the existing theories about cultural, and especially audiovisual, consumption. For example, it suggests certain breaks in the very notion of audiovisual consumption as a discrete activity and points out to the omnipresence of the cell phone as an integrating vehicle for consumption. This article also shows, in the methodological section, the potential benefits for research resulting from an institutional agreement between a public university and a municipal government’s statistical institute, which has rarely been tried in the Argentine context.</p> <p>Key words: audiovisual consumption, Rafaela, surveys, cultural consumption.</p> <p>Fecha de recepción: 25/10/2020<br>Fecha de aceptación: 07/07/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/815 Sobre la proyección de un mapa alternativo para el cine de diversidad cultural: cine argentino en Francia 2021-12-04T22:46:31-03:00 Leandro González legonzal@campus.ungs.edu.ar <p>Resumen: Francia es reconocido como el país donde nació el cine y sus políticas cinematográficas procuran mantener al cine francés como una referencia. Además, Francia apuesta a la cooperación internacional, con fondos de ayuda a todos los cines del mundo. En ese contexto, el cine argentino es uno de sus principales beneficiarios. El artículo se propone analizar la circulación del cine argentino en Francia. En primer lugar, se describe el conjunto de acciones que impulsa Francia en materia de políticas cinematográficas dentro y fuera de su territorio; luego se examina el mercado cinematográfico francés con vistas a establecer sus principales características; y en tercer lugar, se analiza la presencia y el desempeño del cine argentino. A modo de cierre, se ofrecen unas reflexiones finales. El caso exhibe las implicancias de aspectos políticos, económicos y simbólicos. </p> <p>Palabras clave: cine argentino, políticas de cine, CNC, INCAA. </p> <p>Sobre a projeção de um mapa alternativo para o cinema da diversidade cultural: o cinema argentino na França </p> <p>Resumo: A França é reconhecida como o país onde o cinema nasceu e sua política cinematográfica busca manter o cinema francês como referência. Além disso, a França está comprometida com a cooperação internacional, com fundos de ajuda para todos os cinemas do mundo. Nesse contexto, o cinema argentino é um de seus principais beneficiários. O artigo tem como objetivo analisar a circulação do cinema argentino na França. Em primeiro lugar, descreve-se o conjunto de ações promovidas pela França no campo das políticas cinematográficas dentro e fora de seu território; em seguida, examina-se o mercado cinematográfico francês para estabelecer as suas características principais; e em terceiro lugar, analisa-se a presença e atuação do cinema argentino. Para encerrar, algumas reflexões finais são oferecidas. O caso exibe implicações de aspectos políticos, econômicos e simbólicos. </p> <p>Palavras-chave: cinema argentino, políticas cinematográficas, CNC, INCAA.</p> <p>On the projection of an alternative map for cultural diversity cinema: Argentine cinema in France. </p> <p>Abstract: France is recognized as the country where cinema was born and its film policies try to keep French cinema as a reference. In addition, France is committed to international cooperation, with aid funds for all cinemas of the world. In this context, Argentine cinema is one of its main beneficiaries. The article aims to analyze the circulation of Argentine cinema in France. First, the set of actions promoted by France in the field of cinematographic policies inside and outside its territory is described; then the French film market is examined to establishing its main characteristics; and thirdly, the presence and performance of Argentine cinema are analyzed. By way of closing, some final reflections are offered. The case exhibits the implications of political, economic and symbolic aspects. </p> <p>Key words: Argentine cinema, film policies, CNC, INCAA.</p> <p>Fecha de recepción: 12/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 12/10/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/816 Vaivenes de escritura y banalidad en Nunca subí el Provincia (2019) de Ignacio Agüero 2021-12-04T23:02:09-03:00 César Castillo Vega cecastillo@u.uchile.cl <p>Resumen: En este artículo se interrogan las relaciones entre cine y escritura, vinculadas con la escritura representada en la imagen en movimiento, a partir de la película Nunca subí el Provincia (2019) del director chileno Ignacio Agüero. La escritura de una carta, motivo central del film, se ve articulada con imágenes que remiten a la vida cotidiana y la memoria personal y pública. Nos preguntamos: ¿Qué hace la escritura en Nunca subí el Provincia? Una escritura por la escritura será la figura central que organiza la respuesta a esta pregunta, sosteniendo lo banal como núcleo del ensayo que ejerce la película, moviéndose entre la desbanalización de lo cotidiano y la banalización de la escritura. </p> <p>Palabras clave: escritura, cine-ensayo, Ignacio Agüero, cotidiano. </p> <p>Flutuações da escrita e banalidade em Nunca subí el Provincia (2019) por Ignacio Agüero </p> <p>Resumo: Este artigo questiona as relações entre cinema e escrita, especificamente a escrita representada na imagem em movimento, a partir do filme Nunca subí el Provincia (2019), do diretor chileno Ignacio Agüero. Motivo central do filme, a escrita de uma carta se articula com imagens que remetem à banalidade cotidiana e à memória pessoal e pública. Perguntamo-nos: o que a escritura faz em Nunca subí el Provincia? Escrever por escrever será a figura central que organiza a resposta a essa questão, tendo o banal como cerne do ensaio fílmico, entre a desbanalização do cotidiano e a banalização da escrita. </p> <p>Palavras-chave: escrita, ensaio cinematográfico, Ignacio Agüero, cotidiano. </p> <p>Swingings of writing and banality in Nunca subí el Provincia (2019) by Ignacio Agüero</p> <p>Abstract: This article questions the relationship between cinema and writing, specifically writing represented in Nunca subí el Provincia (2019) a film by Chilean director Ignacio Agüero. The writing of a letter is the central motif of a film articulated with images referring to personal and public memory of everyday life. What does the writing Nunca subí el Provincia do? Writing for the sake of writing holds the answer to this question, since banality sits as the core of this essayfilm, which waves between the de-banalization of everyday life and the banalization of writing. </p> <p>Key words: writing, film-essay, Ignacio Agüero, everyday. </p> <p>Fecha de recepción: 20/04/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 07/09/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/817 Por entre secreções e excrementos: a performance da abjeção na monstruosidade de Hija de Perra (1980-2014) 2021-12-04T23:22:33-03:00 Rose de Melo Rocha rlmrocha@uol.com.br Thiago Henrique Ribeiro dos Santos thiago.rizan@gmail.com <p>Resumo: Este artigo propõe uma reflexão sobre a performer chilena Hija de Perra (1980-2014), tomando por referência a memória audiovisual por ela produzida. Temos como fios condutores as produções narrativas evocadas pela remissão a secreções, excrementos e excessos em sua poética suja e marginal, bem como sua subjetividade monstruosa articulada a uma forte crítica política. A partir dos efeitos de presença de suas materialidades comunicacionais, identificamos que ela performa a abjeção e mobiliza “afetos negativos”, sinalizando possibilidades de mundos utópicos alternativos aos ideais colonizadores da Modernidade. Entre os autores que compõem nossa argumentação teórica estão Leticia Alvarado (2018), Zygmunt Bauman (1998), Mikhail Bakhtin (1987) e Hans Ulrich Gumbrecht (2010). </p> <p>Palavras-Chave: Hija de Perra, monstruosidades, comunicação. </p> <p>A través de secreciones y excrementos: la actuación de la abyección en la monstruosidad de Hija de Perra (1980-2014) </p> <p>Resumen: Este artículo propone una reflexión sobre la performer chilena Hija de Perra (1980-2014), tomando como referencia la memoria audiovisual producida por ella. Tenemos como ejes conductores las producciones narrativas evocadas por la referencia a las secreciones, excrementos y excesos en su poética sucia y marginal, así como su monstruosa subjetividad articulada a una fuerte crítica política. A partir de los efectos de la presencia de sus materialidades comunicacionales, identificamos que ella performa la abyección y moviliza “afectos negativos”, señalando posibilidades de mundos utópicos alternativos a los ideales colonizadores de la Modernidad. Entre los autores que componen nuestro argumento teórico se encuentran Leticia Alvarado (2018), Zygmunt Bauman (1998), Mikhail Bakhtin (1987) y Hans Ulrich Gumbrecht (2010). </p> <p>Palabras clave: Hija de Perra, monstruosidades, comunicación.</p> <p>Among secretions and excrements: the performance of abjection in the monstrosity of Hija de Perra (1980-2014) </p> <p>Abstract: This article invites us to consider the audiovisual archive of Chilean performer Hija de Perra (1980-2014), focusing on the narrative productions evoked by secretions, excrement, and excess, resulting from her dirty and marginal poetics, as well as a monstrous subjectivity linked to a strong political critique. Based on the work Leticia Alvarado (2018), Zygmunt Bauman (1998), Mikhail Bakhtin (1987) and Hans Ulrich Gumbrecht (2010), we contend that the materiality of her communication allows her to perform abjection and mobilize “negative affects” that signal possibilities of utopian worlds which offer alternatives to the colonizing ideals of Modernity. </p> <p>Keywords: Hija de Perra, monstrosity, communication. </p> <p>Fecha de recepción: 17/03/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 22/06/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/819 O narrador em Arábia (2017): relato íntimo de um trabalhador 2021-12-04T23:36:14-03:00 Cristiane Freitas Gutfreind cristianefreitas@pucrs.br Maurício Vassali mauriciovassali@gmail.com <p>Resumo: O artigo tem como objetivo analisar o protagonista do filme Arábia (Affonso Uchoa e João Dumans, 2017) enquanto narrador-personagem a partir de reflexões sobre a memória (Henri Bersgon), o rastro (Jeanne Marie Gagnebin), a figura do narrador (Walter Benjamin) e a escrita de si (Michel Foucault). Situando-o entre as narrativas protagonizadas por operários na cinematografia brasileira, percebe-se em Arábia uma atualização desta figura a partir do relato que faz de si. Em seu processo de escrita e narração, o personagem toma consciência de sua existência no mundo. O filme apresenta a construção da memória de um trabalhador contemporâneo, que se atualiza em diferentes instâncias, deixando rastros de sua própria trajetória. Ao perceber a potência política presente em registros do seu cotidiano, Arábia provoca não apenas a percepção do personagem sobre si, mas também a do espectador que o observa. </p> <p>Palavras-chave: operário, escrita de si, narrador, cinema brasileiro. </p> <p>El narrador en Arábia (2017): relato íntimo de un obrero </p> <p>Resumen: El artículo busca analizar al personaje central de la película Arábia (Affonso Uchoa e João Dumans, 2017) en cuanto un narrador protagonista basado en reflexiones sobre la memoria (Henri Bergson), la huella (Jeanne Marie Gagnebin), la figura del narrador (Walter Benjamin) y la escritura de sí (Michel Foucault). Ubicándola entre las narrativas de la cinematografía brasileña protagonizadas por obreros, se puede notar en Arábia la actualización de esta figura, partiendo del relato que hace de sí mismo. En su proceso de escritura y narración, el personaje se da cuenta de su existencia en el mundo. La película presenta la construcción de la memoria de un obrero contemporáneo, que se actualiza en diversos ámbitos, dejando huellas de su propia trayectoria. La potencia política de los registros del cotidiano en Arábia provoca no solamente la percepción del personaje sobre sí mismo, sino también la del espectador que lo observa. </p> <p>Palavras clave: obrero, escritura de sí, narrador, cine brasileño. </p> <p>The narrator in Arábia (2017): a worker’s intimate account </p> <p>Abstract: This paper aims to analyze the protagonist of the film Arábia (Affonso Uchoa e João Dumans, 2017) as a first-person narrator from a theoretical framework related to memory (Henri Bergson), trace (Jeanne Marie Gagnebin), the narrator (Walter Benjamin) and self-writing (Michel Foucault). Placing it among the narratives in the Brazilian cinema upon which workers are the leading roles, Arábia proposes an update of these characters from the selfwriting viewpoint. In his writing and narration process the character becomes aware of his existence in the world. The film presents a contemporary worker´s memory construction that is updated in many different instances leaving traces of his own trajectory. When we focus on the daily scenes and its political power, not only does the film provoke the character perception about himself but also the viewers that observe him. </p> <p>Key words: worker, self writing, narrator, Brazilian cinema. </p> <p>Fecha de recepción: 26/06/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 25/09/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/820 Câmera-corpo: Articulações formais em torno da eu-realizadora 2021-12-04T23:52:57-03:00 Laís de Lorenço Teixeira lais.ltei@gmail.com <p>Resumo: A inscrição subjetiva no documentário latino-americano se manifesta de diversas maneiras e a inscrição do eu das diretoras, com a eu-realizadora, é uma destas. Por esta razão, procuramos apresentar o recurso formal da câmera-corpo, em que diretoras mulheres se inscrevem em processo com o aparato e as outras do discurso. Ao apresentar como esse recurso é utilizado, o reconhecemos como forma de identificação e autoridade do discurso documental. Articulamos esta investigação com dois filmes: Las lindas (Melisa Liebenthal, 2016) e Sibila (Teresa Arredondo, 2012). Assim, atestando como a eleição de um recurso formal gera efeitos estéticos na inscrição da eurealizadora. </p> <p>Palavras-chave: documentário; subjetividade; diretoras mulheres; câmeracorpo, eu-realizadora </p> <p>Cámara-cuerpo: articulaciones formales al entorno de la yo-realizadora </p> <p>Resumen: La inscripción subjetiva en el documental latinoamericano se enseña de diversas maneras y la inscripción del yo de las directoras, como la yo-realizadora, es un ejemplo. Luego, buscamos presentar el recurso formal de la cámara-cuerpo, cuando directoras mujeres se inscriben en proceso con el aparato e las otras del discurso. Al presentar como ese recurso es utilizado, lo reconocemos como forma de identificación y autoridad del discurso documental. Articulamos esta investigación con dos films: Las lindas (Melisa Liebenthal, 2016) y Sibila (Teresa Arredondo, 2012). Así, atestando como la elección de un recurso formal genera efectos estéticos y de la inscripción de la yo-realizadora. </p> <p>Palabras clave: documental; subjectividad; directoras mujeres; cámara-cuerpo; yo-realizadora. </p> <p>Body-camera: formal articulations involved in the I-me-myself (woman) film director subject position </p> <p>Abstract: One of the ways of inscribing subjectivity in the Latin American documentary is the I-me-myself-director subject position. This is why we analyze the body-camera as a way for women film directors to inscribe themselves both in relation to the apparatus and to the female others of the discourse. This subject position of identification and authority of the documental discourse appears in the two documentaries we analyze: Las lindas (Melisa Liebenthal, 206) and Sibila (Teresa Arredondo, 2012), which demonstrate the way the inscription of the I-me-myself (woman) film director influences both discourse and aesthetics. </p> <p>Keywords: documentary; subjectivity; women directors; body-camera; I-memyself (woman) film director. </p> <p>Fecha de recepción: 15/01/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 12/06/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/822 Olhar e construir o entorno: o uso do zoom em O som ao redor (2013), Aquarius (2016) e Bacurau (2019) 2021-12-05T00:04:59-03:00 Luís Henrique Marques Ribeiro dizerluis@gmail.com Luiz Antonio Mousinho Magalhães luizantoniomousinho@gmail.com <p>Resumo: O artigo analisa aspectos das relações sociais no Brasil contemporâneo, representadas nos filmes O som ao redor (2013), Aquarius (2016), de Kleber Mendonça Filho e Bacurau (2019) de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, com investigação da tematização da desigualdade social brasileira. Para isso, dedicamos atenção especial ao uso do zoom, enquanto elemento técnico-estético, relacionado especialmente à abordagem das categorias espaço narrativo e personagem (Brito, 1997; Gaudreault e Jost, 2009). Buscaremos examinar os espaços urbanos (Santos, 1996) ficcionalmente representados, cuja concepção constrói olhares sobre a experiência de cidade (Peixoto, 2004), procurando cumprir a função da crítica em observar como o elemento externo, o social, se torna interno às obras abordadas, conforme a sugestão de Antonio Candido (2000). E atentos ainda à afirmação de Ella Shohat e Robert Stam, ao lembrarem que o cinema não se refere diretamente ao “mundo”, mas representa suas linguagens e discursos (2006). </p> <p>Palavras-chave: cinema Brasileiro, zoom, espaço narrativo, personagem. </p> <p>Mira y construye el entorno: el uso del zoom en O som ao redor (2013), Aquarius (2016) e Bacurau (2019) </p> <p>Resumen: El artículo analiza aspectos de las relaciones sociales en el Brasil contemporáneo, representado en las películas O som ao redor (2013), Aquarius (2016), de Kleber Mendonça Filho e Bacurau (2019) de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, con una investigación sobre el tema de la desigualdad social brasileña. Para ello, prestamos especial atención al uso del zoom, como elemento técnico-estético, especialmente relacionado con el abordaje de las categorías espacio narrativo y personaje (Brito, 1997; Gaudreault y Jost, 2009). Buscaremos examinar los espacios urbanos (Santos, 1996) que son ficcionalizados, cuya concepción construye visiones sobre la experiencia de la ciudad (Peixoto, 2004), buscando cumplir la función crítica de observar cómo el elemento externo, lo social, se vuelve interno a las obras se acercaron, como sugiere Antonio Candido (2000). Y aún atentos a la afirmación de Ella Shohat y Robert Stam, cuando recuerdan que el cine no se refiere directamente al “mundo”, sino que representa sus lenguajes y discursos (2006). </p> <p>Palabras clave: cine brazileño, zoom, espacio narrativo, personaje.</p> <p>To look and to build the surroundings: the use of zoom in O som ao redor (2013), Aquarius (2016) e Bacurau (2019) </p> <p>Abstract: This article analyzes aspects of social relations in contemporary Brazil, represented in O som ao redor (2013), Aquarius (2016) Kleber Mendonça Filho’s films, and Bacurau (2019) Kleber Mendonça Filho and Juliano Dornelles’s films, focusing on social inequality in Brazil. We pay special attention to the use of zoom as a technical-aesthetic element, especially in terms of narrative space and character (Brito, 1997; Gaudreault and Jost, 2009). It examines fictionalized urban spaces (Santos, 1996) based on views about the city experience (Peixoto, 2004) focusing on the way the social, which is external, is internalized in these films as suggested by Antonio Candido (2000), and bearing in mind Ella Shohat and Robert Stam’s warning that cinema does not refer directly to the “world”, but represents its languages and discourses (2006). </p> <p>Key words: brazilian cinema, zoom, narrative space, character. </p> <p>Fecha de recepción: 12/04/2020</p> <p>Fecha de aceptación: 17/05/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/823 A natureza indomável do desejo: a infância queer em As boas maneiras (2017) 2021-12-06T01:52:08-03:00 Henrique Rodrigues Marques henrique.rodriguesm@hotmail.com <p>Resumo: Partindo das reflexões de teóricos da virada negativa queer, assim como de pesquisadores do gênero cinematográfico, esse artigo pretende analisar os modos como o filme As boas maneiras (Juliana Rojas e Marco Dutra, 2017) utiliza elementos do cinema de horror, como a abjeção, para abordar ansiedades sociais em relação a gênero, sexualidade e alteridade. Concentrando a discussão em dois eixos, maternidade e infância, exploraremos as possibilidades queer da categoria “criança” como conceituada por Lee Edelman (2004) e, posteriormente, confrontada por autores como Andrew Scahill (2015) e Maggie Nelson (2017). </p> <p>Palavras-chave: cinema queer; cinema brasileiro; horror; criança; maternidade. </p> <p>La naturaleza indomable del deseo: la infancia queer en As boas maneiras (2017) </p> <p>Resumen: A partir de las reflexiones de los teóricos del giro negativo queer, así como de los investigadores del género cinematográfico, este artículo pretende analizar las formas en las que la película As boas maneiras (Juliana Rojas y Marco Dutra, 2017) utiliza elementos del cine de horror, como la abyección, para abordar ansiedades sociales en relación al género, la sexualidad y la alteridad. Centrando la discusión en dos ejes, la maternidad y la infancia, exploraremos las posibilidades queer de la categoría “infante” tal como la conceptualiza Lee Edelman (2004) y, posteriormente, confrontada por autores como Andrew Scahill (2015) y Maggie Nelson (2017). </p> <p>Palabras clave: cine queer; cine brasileño; horror; infante; maternidad. </p> <p>The untamable nature of desire: the queer childhood in As boas maneiras (2017) </p> <p>Abstract: Based on the reflections of queer negative turn theorists, as well as researchers in the cinematographic genre, this article intends to analyze the ways in which the film As boas maneiras (Juliana Rojas and Marco Dutra, 2017) uses elements of horror cinema, such as abjection, to address social anxieties in relation to gender, sexuality and otherness. Focusing the discussion on two axes, motherhood and childhood, we will explore the queer possibilities of the “child” category as conceptualized by Lee Edelman (2004) and, later, confronted by authors such as Andrew Scahill (2015) and Maggie Nelson (2017). </p> <p>Key words: queer cinema; Brazilian cinema; horror; child; motherhood. </p> <p>Fecha de recepción: 15/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 16/09/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/824 Curadoria de cinema em janelas independentes: da coletividade à heterogeneidade 2021-12-06T02:01:28-03:00 Theresa Medeiros theresa.medeiros@gmail.com Matheus Andrade theujp1@gmail.com <p>Resumo: Este trabalho tem como objetivo analisar as práticas relacionadas à seleção dos filmes no Tintin Cineclube e Fest Aruanda, janelas independentes de exibição de filmes da cidade de João Pessoa, na Paraíba, Brasil. Para tanto, entrevistamos os responsáveis por cada um desses espaços de projeção, tendo em vista a finalidade de compreender as políticas de curadoria e programação estabelecidas por eles ao longo de suas trajetórias. Perante o exposto, identificamos e analisamos, na dinâmica desses espaços, padrões alternativos de circulação cinematográfica, o que evidencia a diversidade de práticas em função das condições de realização das programações contemporâneas no Brasil. Interpretamos as práticas de cada uma das janelas a partir dos relatos e identificamos dois modelos de seleção de filmes, os quais denominamos como “programação coletiva” e “curadoria heterogênea”. </p> <p>Palavras-chave: curadoria de cinema, cineclube, festival, programação, janela independente. </p> <p>Curaduría de películas en ventanas independientes: de la colectividad a la heterogeneidad </p> <p>Resumen: Este trabajo se dedica a analizar las prácticas relacionadas con la selección de películas en Tintin Cineclube y Fest Aruanda, ventanas independientes de proyección de películas en la ciudad de João Pessoa, Paraíba, Brasil. Por tanto, entrevistamos a los responsables de cada uno de estos espacios de proyección para comprender las políticas de curaduría y programación que establecen a lo largo de sus trayectorias. Ante lo anterior, identificamos y analizamos, en la dinámica de estos espacios, patrones alternativos de circulación cinematográfica, lo que resalta la diversidad de prácticas en cuanto a las condiciones para la realización de la programación contemporánea en Brasil. Interpretamos las prácticas de cada una de las ventanas desde los reportajes e identificamos dos modelos de selección de películas, a los que nombramos “programación colectiva” y “curaduría heterogénea”. </p> <p>Palabras clave: curaduría de cine, club de cine, festival, programación, ventana independiente. </p> <p>Film curatorship in independent framework: from collectivity to heterogeneity </p> <p>Abstract: This article analyzes the practices related to film selection at Tintin Cineclube and Fest Aruanda, independent exhibition sites in the city of João Pessoa, Paraíba, Brazil. We interviewed those in charge of film selection in order to understand the policies of curatorship and programming established along the process. Our analysis allowed for identifying alternative patterns of cinematographic circulation, which highlight the diversity of practices given the conditions of contemporary programming in Brazil. In sum, our interpretation of the practices at the respective sites identified two models of film selection, namely “collective programming” and “heterogeneous curatorship”. </p> <p>Key words: cinema curatorship, film club, festival, programming, independent framework. </p> <p>Fecha de recepción: 14/01/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 25/08/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/825 De pasión mortal: un himno al mal de amores en obras audiovisuales contemporáneas 2021-12-06T02:13:02-03:00 Guilherme Maia maia.audiovisual@gmail.com Lucas Ravazzano lravazzano@globo.com Julián Woodside julianwoodside@gmail.com <p>Resumen: Este artículo es el informe de una investigación sobre las dinámicas expresivas de la canción mexicana “Cucurrucucú paloma” en las películas Happy Together (Chūnguāng Zhàxiè, Wong Kar-Wai, 1997), Hable con ella (Pedro Almodóvar, 2002), Moonlight: la historia de una vida (Moonlight, Barry Jenkins, 2016), y la serie estadounidense Orange Is the New Black (Jenji Kohan, 2013 a 2019). El recorrido analítico se sustenta en estudios recientes sobre el funcionamiento de las canciones populares en obras audiovisuales; en la valoración de la carga musical, lírica y simbólica de "Cucurrucucú paloma", y en un análisis detallado de la aparición de la canción en las cuatro obras. Esto con el objetivo de tratar de entender de qué modo esos productos audiovisuales articulan adherencias con esa canción "llorona", así como de construir hipótesis sobre las razones de permanencia de un huapango mexicano –compuesto en la década de los cincuenta del siglo pasado– en obras internacionales recientes. </p> <p>Palabras clave: canción popular, Latinoamerica, cine internacional, análise audiovisual, cine queer. </p> <p>De pasión mortal: um hino aos males do amor em obras audiovisuais contemporâneas </p> <p>Resumo: Este artigo é o relato de uma investigação acerca das dinâmicas expressivas da canção mexicana “Cucurrucucú paloma” nos filmes Felizes Juntos (Happy together, Wong Kar Wai, 1997), Fale Com Ela (Hable con ella, Pedro Almodóvar, 2002), Moonlight: sob a luz do luar (Moonlight, Barry Jenkins, 2016) e na série Orange Is the New Black (Jenji Kohan, 2013 a 2019). O percurso analítico se alimentou de estudos recentes sobre o modo como as canções populares operam em obras audiovisuais; de um exame da carga musical, lírica e simbólica de “Cucurrucucú paloma” e da decupagem analítica das ocorrências da canção nas quatro obras, com o objetivo de tentar entender de que modo esses produtos audiovisuais articulam aderências com essa canção llorona, e de construir hipóteses sobre as razões da permanência de um huapango mexicano composto na década de 50 do século passado em obras internacionais recentes. <br>Palavras-chave: canção popular, América Latina, cinema internacional, análise audiovisual, cinema queer. </p> <p>De pasión mortal: a hymn to lovesickness in contemporary audiovisual works </p> <p>Abstract: This article is the report of an investigation about the expressive dynamics of the Mexican song “Cucurrucucú paloma” in the films Happy Together (Chun gwong cha sit, Wong Kar Wai, 1997), Talk to Her (Hable con ella, Pedro Almodóvar, 2002), Moonlight (Barry Jenkins, 2016) and in the series Orange Is the New Black (Jenji Kohan, 2013 to 2019) The analytical path was fueled by recent studies on how popular songs operate in audiovisual works; an examination of the musical, lyrical and symbolic charge of “Cucurrucucú paloma” and an analytical decoupage of the occurrences of the song in the four audiovisual pieces, in order to try to understand how these audiovisual products articulate adherences with this “llorona song”, and to build hypotheses about the reasons for the permanence of a Mexican huapango composed in the 50s of the last century in recent international audiovisual pieces. </p> <p>Key words: popular song, Latin America, international cinema, audiovisual analysis, queer cinema. </p> <p>Fecha de recepción: 12/01/2021 <br>Fecha de aceptación: 07/11/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/826 Time and time again: o tempo redescoberto em Twin Peaks: the return 2021-12-06T02:25:45-03:00 Letícia Xavier de Lemos Capanema capanema.leticia@gmail.com <p>Resumo: Este artigo propõe uma análise da terceira temporada da série Twin Peaks, intitulada Twin Peaks: The Return (David Lynch e Mark Frost, 2017), a partir de seus elementos estéticos e narrativos em diálogo com a abordagem de Gilles Deleuze sobre a crise da imagem-ação e a emergência da imagemtempo. Para isso, o tempo é destacado como operador metodológico, com o fim de investigar como tal obra televisiva inscreve temporalidades em sua materialidade audiovisual. </p> <p>Palavras-chave: Twin Peaks: the return, David Lynch, tempo, Gilles Deleuze. </p> <p>Time and time again: el tiempo redescubierto Twin Peaks: the return </p> <p>Resumen: Este artículo propone un análisis de la tercera temporada de la serie Twin Peaks, titulada Twin Peaks: The Return (David Lynch y Mark Frost, 2017), a partir de sus elementos estéticos y narrativos en diálogo con el acercamiento de Gilles Deleuze a la crisis de la imagen-acción y el surgimiento de la imagentiempo. Por lo tanto, se destaca el tiempo como operador metodológico, con el fin de indagar cómo esa serie televisiva inscribe temporalidades en su materialidad audiovisual. </p> <p>Palabras clave: Twin Peaks: the return, David Lynch, tiempo, Gilles Deleuze. </p> <p>Time and time again: the time rediscovered in Twin Peaks: the return </p> <p>Abstract: This article proposes an analysis of Twin Peaks third season, entitled Twin Peaks: The Return (David Lynch and Mark Frost, 2017), based on its aesthetic and narrative elements in dialogue with Gilles Deleuze's approach to the image-action crisis and the emergence of time-image. Thus, time is highlighted as a methodological operator, in order to investigate how such TV show inscribes temporalities in its audiovisual materiality. </p> <p>Key words: Twin Peaks: the return, David Lynch, time, Gilles Deleuze. </p> <p>Data de recepção: 15/05/2021</p> <p>Data de aceitação: 18/08/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/827 Cronotopo, tiempo y repetición en True (2006) de Tom Tykwer 2021-12-06T02:39:48-03:00 Álvaro Martín Sanz alvmartinsanz@gmail.com <p>Resumen: True es el título del cortometraje dirigido por el realizador Tom Tykwer dentro de la obra colectiva París, Je t’aime (2006). El film representa un buen ejemplo del mundo cinematográfico del cineasta alemán, al ser prácticamente su parte central una exploración de la subjetividad, en forma de recuerdos y memorias, del personaje principal. El artículo busca, mediante el uso del análisis textual sobre la parte central del relato, corroborar la hipótesis inicial de investigación, la cual propone que el cineasta presenta dos discursos que funcionan de forma paralela en el interior de la narración de True, creando así un cronotopo que, lejos de ser estable para toda la narración, muta según los distintos tipos propuestos por Bakhtin. Se van a desarrollar pues dos relatos que, si bien coinciden en ocasiones en el contenido de su mensaje, se mantienen independientes uno respecto del otro: la voz en off como texto poético y las imágenes como una narrativa autónoma gracias a los distintos recursos de montaje que presenta la edición. </p> <p>Palabras clave: Paris, Je t’aime, Tom Tykwer, cortometraje, análisis textual, cronotopo. </p> <p>Cronotopo, tempo e repetição em True (2006), de Tom Tykwer </p> <p>Resumo: True é o título do curta-metragem dirigido pelo diretor Tom Tykwer na obra coletiva Paris, Je t’aime (2006). O filme representa um bom exemplo do mundo cinematográfico do cineasta alemão, pois sua parte central consiste numa exploração da subjetividade, sob a forma de memórias do personagem principal. Mediante uma análise textual da parte central do relato, o artigo busca corroborar a hipótese inicial da pesquisa, segundo a qual o cineaste apresenta dois discursos que funcionam de forma paralela na narração de True, criando assim um cronotopo que, longe de ser estável para toda a narrativa, se modifica segundo distintos tipos propostos por Bakhtin. Graças aos diferentes recursos de edição, apresentam-se duas histórias que, embora às vezes coincidam noconteúdo de sua mensagem, permanecem independentes uma da outra: a voz off como texto poético e as imagens como narrativa autônoma graças aos diferentes recursos de montagem.</p> <p>Palavras-chave: Paris, Je t’aime, Tom Tykwer, curta-metragem, análise textual, chronotope. </p> <p>Chronotope, time and repetition in True (2006) by Tom Tykwer </p> <p>Abstract: True is the title of a short film directed by Tom Tykwer as part of the collective film Paris, Je t’aime (2006). The film represents a good example of the cinematographic world of the German filmmaker, since its central part is an exploration of the subjectivity of the main character, in the form of memories. This article seeks, through the use of textual analysis of the central part of the story, to corroborate the initial research hypothesis. The hypothesis proposes that the filmmaker presents two discourses that function in parallel within True's narrative, thus creating a chronotope that, far from being stable for the entire narrative, mutates according to the different types proposed by Bakhtin. Two stories are developed, and although these sometimes coincide in the content of their message, they remain independent of each other; the voiceover functions as a poetic text while the images form an autonomous narrative thanks to the differing montage techniques employed in each. </p> <p>Key words. Paris, Je t’aime, Tom Tykwer, short film, textual analysis, chronotope. </p> <p>Fecha de recepción: 14/06/2020</p> <p>Fecha de aceptación: 27/09/2020</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/828 El cine negro de la Revolución Libertadora y la reconstrucción del fin del primer peronismo 2021-12-06T02:51:01-03:00 Daniel Adrián Giacomelli daniel.giacomelli1@gmail.com <p>Resumen: Analizaremos la relación entre cine e historia en Después del silencio (Lucas Demare, 1956) y Los torturados (Alberto Dubois, 1956). Producidas luego de la caída del peronismo, estas obras elaboran visiones críticas del régimen depuesto y configuran una mirada histórica análoga a los discursos concurrentes contemporáneamente en el plano político. Asimismo, como películas comerciales, son obras de cine negro. Cuestionaremos la relación entre las películas y la tipología en que fueron elaboradas, atendiendo a los vínculos entre cine e historia descritos por Robert Rosenstone y Marc Ferro. Consideraremos los desarrollos en historia social y cultural contemporáneos que buscaron escapar a la polémica inaugurada por el giro cultural de finales del siglo XX, para apelar a ideas como el giro material o la teoría de la práctica. En ese debate el cine posibilita una nueva mirada sobre lo histórico, y dar cuenta de ello es parte de nuestros objetivos. </p> <p>Palabras clave: cine negro, cine argentino, revolución libertadora, historia social, cine histórico. </p> <p>O filme noir da Revolución Libertadora e a reconstrução do final do primeiro peronismo </p> <p>Resumo: Analisaremos a relação entre cinema e história em Después del silencio (1956), de Lucas Demare e Los torturados (1956), de Alberto Dubois. Produzidas após a queda do peronismo, essas obras elaboram visões críticas ao regime deposto e configuram uma visão histórica análoga aos discursos contemporâneos no nível político. Como películas comerciais, são caracterizadas como filmes noir. Questionaremos a relação entre tais produções e a tipologia da qual foram feitas, atendendo às ligações entre cinema e história descritas por Robert Rosenstone e Marc Ferro. Consideraremos os desenvolvimentos na história social e cultural contemporânea que buscaram escapar da controvérsia inaugurada pela virada cultural do final do século XX, para recorrer às ideias como a virada material ou a teoria da prática. Nesse debate, o cinema possibilita uma nova perspectiva sobre o histórico, e justificálo faz parte de nossos objetivos. </p> <p>Palavras-chave: filme noir, cinema argentino, revolução libertadora, história social, cinema histórico. </p> <p>The film noir of the Revolución Libertadora and the retelling of the end of the first Peronism </p> <p>Abstract: This article analyzes the representation of history in Después del silencio (1956) by Lucas Demare and Los torturados (1956) by Alberto Dubois. Produced after the fall of Peronism, these commercial films follow the conventions of film noir; however they present elaborate critical visions of the overthrown regime analogous to contemporaneous political discourse. In addition to reviewing these films based on the writings by Robert Rosenstone and Marc Ferro regarding the interconnection between cinema and history, we also consider the representation of developments in contemporary social and cultural history that appeal to the material turn, and the theory of practice, because cinema enables a new perspective on history. </p> <p>Key words: film noir, Argentine cinema, revolución libertadora, social history, historical cinema. </p> <p>Fecha de recepción: 29/07/2020</p> <p>Fecha de aceptación: 07/07/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/829 Poesía y encantamiento de lo femenino en el cine de Jacques Demy 2021-12-06T03:05:55-03:00 Eleonora García eleonorafr2003@yahoo.com.ar <p>Resumen: Los trabajos del director francés Jacques Demy, inscriptos en el paisaje de la modernidad cinematográfica, renovaron las relaciones afectivas entre imágenes y espectadores. La indagación poética organizada sobre la mezcla entre realismo y géneros fuertemente codificados como el musical, el melodrama y otras narrativas de fantasía, dio lugar a una escritura fílmica artificiosa que puso en evidencia el carácter de constructo estético de dichos géneros. El presente trabajo analiza la figuración de los cuerpos de las mujeres y los géneros sexuales como posiciones móviles dando lugar tanto a una poética como a una política de lo visible al tiempo que encantan lo real. </p> <p>Palabras clave: cuerpos, mezcla, mujeres, visibilidad, Jacques Demy. </p> <p>Poesia e o encantamento do feminino no cinema de Jacques Demy </p> <p>Resumo: A obra do diretor francês Jacques Demy, inscrita na paisagem da modernidade cinematográfica, renovou as relações afetivas entre imagens e espectadores. A investigação poética, organizada em torno da mistura entre realismo e gêneros fortemente codificados como musicais, melodramas e outras narrativas de fantasia, deu origem a uma escrita fílmica que destacou o caráter de construção estética destes gêneros. Este trabalho analisa a figuração dos corpos das mulheres e dos gêneros sexuais como posições móveis que dão origem tanto a uma poética quanto a uma política do visível enquanto encanta o real. </p> <p>Palavras-chave: corpos, mistura, mulheres, visibilidade, Jacques Demy. </p> <p>Poetry and the Enchantment of the Feminine in the Cinema of Jacques Demy </p> <p>Abstract: French director Jacques Demy’s works, inscribed in the context of cinematographic modernity, renewed the affective relations between images and spectators. The poetic inquiry based on the mixture between realism and strongly codified genres such as the musical, melodrama and other fantasy narratives gave rise to a contrived filmic writing that highlighted the aesthetic construction of those genres. This article analyzes the figuration of women's bodies and sexual genders as mobile positions giving rise to a poetics and a politics of the visible which renders the real enchanting. Key words: bodies, mixing, women, visibility, Jacques Demy.</p> <p>Fecha de recepción: 16/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 14/09/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/830 Conexión latina: Relaciones entre los distribuidores cinematográficos de Brasil y Argentina a principios de siglo XX, Marc Ferrez y Max Glücksmann 2021-12-06T03:13:06-03:00 Diana Paladino dvpaladino@gmail.com Rafael de Luna Freire rafaeldeluna@hotmail.com <p>Resumen: El artículo describe la trayectoria de dos pioneros en la distribución de películas en América Latina, el brasileño Marc Ferrez y el argentino Max Glücksmann. En este sentido, señala similitudes y analiza las relaciones que se establecen entre empresarios que jugaron roles fundamentales en la creación y desarrollo del mercado cinematográfico en Brasil y Argentina a principios del siglo XX. </p> <p>Palabras clave: historia del cine, distribución de películas, Brasil, Argentina, América Latina. </p> <p>Conexão latina: Relação entre os distribuidores cinematográficos do Brasil e Argentina no início do século XX, Marc Ferrez e Max Glücksmann </p> <p>Resumo: Este artigo descreve a trajetória de dois pioneiros na distribuição de filmes na América Latina, o brasileiro Marc Ferrez e o argentino Max Glücksmann. Nesse sentido, destaca semelhanças e analisa relações que se estabeleceram entre esses empresários que desempenharam papeis fundamentais na criação e desenvolvimento do mercado cinematográfico no Brasil e na Argentina no início do século XX. </p> <p>Palavras-chave: História do cinema; distribuição de filmes; Brasil; Argentina; América Latina. </p> <p>Latin connection: Relations between the film distributors of Brazil and Argentina at the beginning of the 20th century, Marc Ferrez and Max Glücksmann </p> <p>Abstract: This article describes the trajectory of two pioneers in film distribution in Latin America, the Brazilian Marc Ferrez and the Argentinian Max Glücksmann. In this sense, it highlights similarities and analyzes relationships that were established between these entrepreneurs who played fundamental roles in the creation and development of the film market in Brazil and Argentina at the beginning of the 20th century. </p> <p>Key words: Film History; film distribution; Brazil; Argentina; Latin America.</p> <p>Fecha de recepción: 08/06/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 14/07/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/831 Memoria y cartografías afectivas del entretenimiento. Experiencias comparadas entre la ciudad de Buenos Aires y Santiago 2021-12-06T03:38:53-03:00 Sonia Beatriz Sasiain soniasasiain@outlook.com Cecilia Nuria Gil Mariño cecigilmarino@gmail.com Claudia Bossay Pisano claudia.bossay@uchile.cl María Paz Peirano mppeirano@uchile.cl <p>Resumen: El presente artículo trata de un trabajo comparativo sobre las memorias de las audiencias cinematográficas durante las décadas de 1940 y 1950 en las ciudades de Buenos Aires (Argentina) y Santiago (Chile) a partir de un trabajo de entrevistas en profundidad. El objetivo es reflexionar sobre los modos de habitar la ciudad a partir del delineamiento de cartografías afectivas del entretenimiento a través de esos recuerdos. A diferencia de otros trabajos previos abocados a casos nacionales, el estudio por áreas delimitadas de la ciudad de manera comparativa nos permite desestabilizar las imágenes homogéneas de la sociabilidad barrial que primaron en los discursos culturales y también del cine de la época. Asimismo, a partir de estas memorias, nos proponemos indagar sobre las relaciones entre las lógicas comerciales de la exhibición y la configuración de estas prácticas socio-culturales. Por último, abordamos aspectos afectivos de las entrevistas realizadas y la importancia de los mismos en la configuración de una cinefilia porteña y santiaguina. <br><br>Palabras claves: estudios de públicos, New Cinema History, memorias cinematográficas, salas de cine en Buenos Aires, salas de cine en Santiago de Chile. </p> <p>Memória e cartografias afetivas do entretenimento. Experiências comparadas entre a cidade de Buenos Aires e Santiago </p> <p>Resumo: Este artigo é um estudo comparativo das memórias do público de cinema durante os anos 40 e 50 nas cidades de Buenos Aires (Argentina) e Santiago (Chile), baseado em entrevistas em profundidade. O objetivo é refletir sobre as formas de habitar a cidade a partir da delineação de cartografias afetivas de entretenimento através destas memórias. Em contraste com trabalhos anteriores sobre casos nacionais, o estudo comparativo de áreas específicas da cidade nos permite desestabilizar as imagens homogêneas da sociabilidade de bairro que prevaleciam nos discursos culturais e filmes da época. Da mesma forma, com base nestas memórias, propomos pesquisar as relações entre a lógica comercial da exposição e a configuração destas práticas socioculturais. Finalmente, abordamos aspectos afetivos das entrevistas realizadas e sua importância na configuração de uma cinefilia "porteña" e "santiaguina". </p> <p>Palavras chave: estudos de públicos, New Cinema History, memorias cinematográficas, salas de cinema em Buenos Aires, salas de cinema em Santiago. </p> <p>Memory and affective cartographies of entertainment. Comparative experiences between Buenos Aires and Santiago </p> <p>Abstract: This article is a comparative study on the memories of cinema audiences during the 1940s and 1950s in the cities of Buenos Aires (Argentina) and Santiago (Chile) based on in-depth interviews. The objective is to reflect on the ways of inhabiting the city from the delineation of affective cartographies of entertainment through these memories. Unlike other previous works focused on national cases, the study by delimited areas of the city in a comparative way allows us to destabilize the homogeneous images of neighborhood sociability that prevailed in the cultural discourses and also in the cinema of the time. Likewise, from these memories, we propose to examine the relationships between the commercial logics of the exhibition and the configuration of these socio-cultural practices. Finally, we address affective aspects of the interviews conducted and their importance in the configuration of a “porteña” and “santiaguina” cinephilia. </p> <p>Key words: Cinemagoing Studies, New Cinema History, Cinematographic Memories, Movie Theaters in Buenos Aires, Movie Theaters in Santiago de Chile. </p> <p>Fecha de recepción: 21/06/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 24/09/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/832 Notas sobre exhibición y programación cinematográfica de los barrios porteños de Flores y Belgrano en 1938 2021-12-06T03:52:14-03:00 Clara Beatriz Kriger clarakriger@hotmail.com Alejandro Kelly-Hopfenblatt alejandro.kelly.h@gmail.com <p>Resumen: Los últimos años han visto un crecimiento cuantitativo y cualitativo dentro del campo de la historia del cine de trabajos orientados hacia la exhibición, distribución y recepción cinematográfica. Bajo el nombre de “New Cinema History” ha habido una renovación no sólo temática sino, fundamentalmente, metodológica al incorporar nuevas herramientas, especialmente aquellas provenientes de las Humanidades Digitales. Este artículo se propone iniciar una exploración de las posibilidades que plantea esta perspectiva para ampliar nuestro conocimiento del cine argentino. A partir del caso de los barrios porteños de Flores y Belgrano en septiembre de 1938 se propone indagar en las características de la programación y exhibición, los circuitos de distribución y la relación con el centro de la ciudad. De este modo, no sólo se identifican aspectos desconocidos de este campo como las prácticas de disciplinamiento del público, sino que se abre una nueva serie de interrogantes que confirman la potencial riqueza de ahondar en este camino. <br><br>Palabras clave: cine argentino; exhibición cinematográfica; New Cinema History; humanidades digitales; público de cine. </p> <p>Notas sobre a exposição e programação dos cinemas de Buenos Aires os anos ‘30 </p> <p>Resumo: Nos últimos anos, assistimos a um crescimento quantitativo e qualitativo no campo da história do cinema de obras orientadas para a exibição, distribuição e recepção cinematográfica. Sob o nome de “História do Novo Cinema” houve uma renovação não só temática, mas, fundamentalmente, metodológica ao incorporar novas ferramentas, principalmente as oriundas das Humanidades Digitais. Este artigo explora as possibilidades que essa perspectiva apresenta para ampliar nosso conhecimento sobre o cinema argentino. Partindo do caso dos bairros de Flores e Belgrano no Buenos Aires em setembro de 1938, propõe-se investigar as características da programação e exibição, os circuitos de distribuição e a relação com o centro da cidade. Desse modo, não apenas aspectos desconhecidos desse campo são identificados, como as práticas disciplinadoras do público, mas se abre uma nova série de questões que confirmam a riqueza potencial de se aprofundar nesse caminho. </p> <p>Palavras-chave: cinema argentino; exibição cinematográfica; New Cinema History; humanidades digitais; público de cinema. </p> <p>Notes about the exhibition and programming of movie theaters in Buenos Aires in the 1930s </p> <p>Abstract: In the last years there has been a quantitative and qualitative growth within the field of film history of works oriented towards cinematographic exhibition, distribution, and reception. Under the name of "New Cinema History" there has been a renewal, not only thematic but, fundamentally, methodological by incorporating new tools, especially those coming from the Digital Humanities. This article explores the potential that this perspective poses to broaden our knowledge of Argentine cinema. Focusing on the case of Flores and Belgrano neighborhoods in Buenos Aires in September 1938, we propose studying the characteristics of the programming and exhibition, the distribution circuits, and the relationship with the city downtown. In this way, not only unknown aspects of this field are identified, such as the disciplining practices of the public, but a new series of questions are opened that confirm the potential richness of delving into this path. </p> <p>Key words: Argentine cinema; film exhibition; New Cinema History; digital humanities; film audiences. </p> <p>Fecha de recepción: 08/06/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 03/11/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/835 Corpo, gesto e atuação 2021-12-06T16:10:09-03:00 Andréa C. Scansani daraca1@gmail.com Mariana Baltar marianabaltar@gmail.com Pedro Guimarães pedro75@unicamp.br <p>Introducción al Dossier</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/836 Máximo Serrano: um typo queer no cinema silencioso 2021-12-06T16:34:57-03:00 Mateus Nagime nagime.mateus@gmail.com <p>Resumo: Máximo Serrano é um ator brasileiro que se especializou, no fim dos anos 1920, em papéis do “tipo sentimental” ou “sensível”, que podemos considerar como um protótipo da sensibilidade queer. Especialmente nos filmes dirigidos por Humberto Mauro, Serrano dava à luz a personagens solitários e reprimidos, que se contentavam em assistir aos finais felizes dos parceiros de cena. O artigo defenderá que esta representação do queer vem em grande parte do próprio ator, constituindo uma “atoria queer”, uma variação da “autoria queer”.</p> <p>Palavras-chave: Máximo Serrano, cinema queer, cinema brasileiro, atoria.</p> <p>Máximo Serrano: un typo queer en el cine silente</p> <p>Resumen: Máximo Serrano es un actor brasileño que interpretó a varios personajes “sentimentales” a fines de la década de 1920. Retrospectivamente, es posible ver estos roles como una sensibilidad queer temprana. Especialmente cuando fue dirigido por Humberto Mauro, Serrano trajo personajes solitarios y reprimidos a la gran pantalla, terminando las películas viendo el final feliz de otros, nunca los suyos. Este artículo defiende que Serrano fue el responsable en la creación de dicha representación y, por tanto, es un "auctor queer”, una variación de “autor queer”.&nbsp;</p> <p>Palabras clave: Máximo Serrano, cine queer, cine brasileño, actoria.&nbsp;</p> <p>Máximo Serrano: creating a queer role in silent Brazilian cinema.</p> <p>Abstract: Máximo Serrano is a Brazilian actor who played several “sentimental” characters during the late 1920s. Now it is possible to see these roles as early queer sensibility. Specially when directed by Humberto Mauro, Serrano brought lonely and repressed characters to the silver screen, whose faith was to watch the happy end of others, never their own. This article defends that Serrano was responsible when creating such representation and is therefore a queer auteur.</p> <p>Key words: Máximo Serrano, queer cinema, Brazilian cinema, auteur.</p> <p>Fecha de recepción: 15/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 08/10/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/837 A personagem de cinema: pessoa, figura, presença 2021-12-06T16:45:26-03:00 João Vitor Leal jv.leal@gmail.com <p>Resumo: Este artigo examina três modos predominantes pelos quais a personagem de cinema se endereça ao espectador: pessoa, figura e presença. Propomos articular diferentes dimensões da experiência fílmica (narrativa, figural, sensorial), questionando a figuração do corpo e o engajamento do espectador na produção de “efeitos de personagem” (Pavis, 1997). A reflexão mobilizará um corpus diverso, recorrendo de modo mais sistemático a três filmes que exploram disjunções entre corpos e identidades: Holy Motors (Leos Carax, 2012), Império dos Sonhos (David Lynch, 2006) e O Congresso Futurista (Ari Folman, 2013).&nbsp;</p> <p>Palavras-chave: cinema, efeito de personagem, pessoa, figura, presença.&nbsp;</p> <p>El personaje del cine: persona, figura, presencia&nbsp;</p> <p>Resumen: Este artículo examina tres modos predominantes por los cuales el personaje de cine se dirige al espectador: persona, figura y presencia. Articularemos diferentes dimensiones de la experiencia fílmica (narrativa, figural y sensorial), cuestionando la figuración del cuerpo y la implicación del espectador en la producción de “efectos de personaje” (Pavis, 1997). La investigación abarcará un corpus diverso, recurriendo de manera más sistemática a tres películas que exploran disyunciones entre cuerpos e identidades: Holy Motors (Leos Carax, 2012), Inland Empire (David Lynch, 2006) y El congreso (Ari Folman, 2013).&nbsp;</p> <p>Palabras clave: cine, efecto de personaje, persona, figura, presencia.&nbsp;</p> <p>The film character: person, figure, presence&nbsp;</p> <p>Abstract: This paper examines three predominant modes by which film characters address themselves to the viewer: person, figure, and presence. We articulate different dimensions of film experience (narrative, figural, and sensorial) and question both the figuration of the body and the implication of the viewer in the constitution of “character effects” (Pavis, 1997). While this research explores a diverse set of films, it focuses on disjunctions between bodies and identities in Holy Motors (Leos Carax, 2012), Inland Empire (David Lynch, 2006) and The Congress (Ari Folman, 2013).&nbsp;</p> <p>Key words: cinema, character effect, person, figure, presence.</p> <p>Fecha de recepción: 09/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 19/09/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/838 Loucura e insurreição do corpo feminino em L’Amour fou (Jacques Rivette) e A Woman Under the Influence (John Cassavetes) 2021-12-07T14:01:46-03:00 Maria Chiaretti mariachiaretti@gmail.com <p>Resumo: O artigo examina, em perspectiva comparatista, o modo pelo qual os longas L’Amour fou (Jacques Rivette, 1968) e A Woman Under the Influence (John Cassavetes, 1974) figuram a experiência da loucura de suas protagonistas. Cada um a seu modo, os filmes inventam um estilo capaz de enfrentar o material dramatúrgico da instabilidade psíquica feminina. Trata-se então de discutir em ambos o nexo entre tal estilo e a revolta do corpo feminino contra o cerceamento do espaço reservado às mulheres até então.&nbsp;</p> <p>Palavras-chave: cinema comparado, loucura, corpo, performance, instabilidade&nbsp;</p> <p>Locura e insurrección del cuerpo feminino em L’Amour fou (Jacques Rivette) y A Woman Under the Influence (John Cassavetes)&nbsp;</p> <p>Resumen: El artículo examina, desde una perspectiva comparada, la forma en que los largometrajes L'Amour fou (Jacques Rivette, 1968) y A Woman Under the Influence (John Cassavetes, 1974) retratan la experiencia de la locura de sus protagonistas. Cada una a su manera, las películas inventan un estilo capaz de afrontar el material dramatúrgico de la inestabilidad psíquica femenina. Se trata, pues, de discutir el nexo entre este estilo y la rebelión del cuerpo femenino contra la restricción del espacio reservado a las mujeres hasta entonces.&nbsp;</p> <p>Palabras clave: cine comparativo, locura, cuerpo, performance, inestabilidad.&nbsp;</p> <p>Madness and insurrection of the female body in L'Amour fou (Jacques Rivette) and A Woman Under the Influence (John Cassavetes)&nbsp;</p> <p>Abstract: The article examines, from a comparative perspective, the way in which the films L'Amour fou (Jacques Rivette, 1968) and A Woman Under the Influence (John Cassavetes, 1974) portray their protagonists’ madness. In their own way, these films create a style that represents female psychic instability which opens the discussion ot the interconnection between their aesthetics and the revolt of the female body against the spatial restrictions experienced by women.&nbsp;</p> <p>Key words: comparative cinema, madness, body, performance, instability.&nbsp;</p> <p>Fecha de recepción: 21/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 04/11/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/839 Eu indecifrável: o ator no underground brasileiro e argentino 2021-12-07T14:14:25-03:00 Fernanda Andrade Fava fernandafava@gmail.com <p>Resumo: O artigo propõe uma análise comparativa do trabalho do ator nos filmes O bandido da luz vermelha (Rogério Sganzerla, 1968, Brasil) e Puntos suspensivos (Edgardo Cozarinsky, 1970, Argentina). Esta abordagem permite cruzar o estudo da performance, do gestual e do movimento dos corpos em cena com as escolhas de mise-en-scène dos diretores. Pode ser lida ainda na relação de representação e encenação com questões de identidade e alteridade, bem como alegorias e visão de mundo dos cineastas.&nbsp;</p> <p>Palavras-chave: Cinema Marginal, Cine Subterráneo, atuação, personagem, identidade.&nbsp;</p> <p>Yo indescifrable: el actor del underground brasileño y argentino&nbsp;</p> <p>Resumen: El artículo propone un análisis comparativo del trabajo del actor en las películas O bandido da luz vermelha (Rogério Sganzerla, 1968, Brasil) y Puntos suspensivos (Edgardo Cozarinsky, 1970, Argentina). Este enfoque nos permite cruzar el estudio de la performance, los gestos y el movimiento de los cuerpos en la pantalla con las elecciones de mise-en-scène de los directores. También se puede leer en la relación de representación y puesta en escena con cuestiones de identidad y alteridad, así como ciertas alegorías y cosmovisión de los cineastas.</p> <p>Palabras clave: Cinema Marginal, Cine Subterráneo, actuación, personaje, identidad.&nbsp;</p> <p>Indecipherable self: the actor in the Brazilian and Argentinian underground</p> <p>Abstract: The article proposes a comparative analysis of the actor's work in the films O bandido da luz vermelha (Rogério Sganzerla, 1968, Brazil) and Puntos suspensivos (Edgardo Cozarinsky, 1970, Argentina). This approach allows us to search for intersections of the study of performance, gestures and the movement of bodies on the screen with the directors' mise-en-scène choices. It can also be read in the relation of representation and staging with issues of identity and alterity, as well as certain allegories and the filmmakers' perspectives.&nbsp;</p> <p>Key words: Cinema Marginal, Cine Subterráneo, acting, character, identity.&nbsp;</p> <p>Fecha de recepción: 01/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 26/08/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/840 Corpo, política e sensação em vídeo nas redes sociais: a “câmera-corpo” como fenômeno fílmico 2021-12-07T15:45:04-03:00 Adil Giovani Lepri adillepri@gmail.com <p>Resumo: Este artigo pretende refletir sobre uma parcela do audiovisual de cunho político presente nos Sites de Redes Sociais (SRS). A questão do espetáculo e das matrizes expressivas do excesso vão basear a discussão que pretende perceber permanências e transformações dessas chaves nos objetos estudados, principalmente conforme inscritas no tecido fílmico em si por meio do fenômeno da “câmera-corpo”. Com base na discussão teórica serão tecidas duas breves análises fílmicas: um vídeo do canal “Mamaefalei” no YouTube, e outro da página do Facebook da Mídia NINJA. Embora pela sua própria natureza não seja possível generalizar os achados das análises, sugere-se que o fenômeno da “câmera-corpo” aponta para uma gestão sensacionalista da política, traduzindo grandes questões ideológicas em uma chave de moralidade simples através da própria estética fílmica.&nbsp;</p> <p>Palavras-chave: espetáculo, Youtube, manifestações políticas, câmera-corpo&nbsp;</p> <p>Cuerpo, política y sensación en video en las redes sociales: el “cuerpocámara” como fenómeno fílmico&nbsp;</p> <p>Resumen:&nbsp;Este artículo pretende reflexionar sobre parte del audiovisual de orientación política presente en los Sitios de Redes Sociales (SRS). El tema del espectáculo y las matrices expresivas del exceso será la base de la discusión, que pretende percibir las permanencias y transformaciones de estas claves en los objetos estudiados, principalmente inscritos en el propio tejido fílmico a través del fenómeno de la “cámara-cuerpo”. A partir de la discusión teórica se realizarán dos breves análisis fílmicos: de un video del canal “Mamaefalei” de YouTube, y de otro de la página de Facebook de Mídia NINJA. Si bien por su propia naturaleza no es posible generalizar los hallazgos de los análisis, se sugiere que el fenómeno de la “cámara-cuerpo” apunta a una gestión sensacionalista de la política, traduciendo importantes cuestiones ideológicas en una clave de la moralidad simple a través de la propia estética fílmica.&nbsp;</p> <p>Palabras clave: espectáculo, Youtube, manifestaciones políticas, cámaracuerpo&nbsp;</p> <p>Body, politics and sensation&nbsp;in video on social media: the “body-camera” as a filmic phenomenon&nbsp;</p> <p>Abstract: This article intends to reflect on a portion of politically-oriented videos on Social Networking Sites (SRS). The issue of the spectacle and the expressive matrices of excess will base the discussion that intends to perceive the permanencies and transformations of these keys in the studied objects, mainly as inscribed in the filmic fabric itself through the phenomenon of the “camera-body”. Based on the theoretical discussion, two brief filmic analyzes will be made: a video from the “Mamaefalei” channel on YouTube, and another from the Facebook page of Mídia NINJA. Although by its very nature it is not possible to generalize the findings of the analyses, it is suggested that the phenomenon of the “camera-body” points to a sensationalist management of politics, translating major ideological issues into a key to simple morality through the filmic aesthetics itself.&nbsp;</p> <p>Key words: spectacle, Youtube, political demonstrations, camera-body&nbsp;</p> <p>Fecha de recepción: 15/07/2021</p> <p>Fecha de aceptación: 16/11/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/842 Políticas de la imagen y de la imaginación en el peronismo. La radioenseñanza y la cinematografía escolar como dispositivos pedagógicos para una Nueva Argentina 2021-12-07T16:37:16-03:00 Alejandro Kelly Hopfenblatt akellyhopfenblatt@tulane.edu <p>Sobre Eduardo Galak e Iván Orbuch. Políticas de la imagen y de la imaginación en el peronismo. La radioenseñanza y la cinematografía escolar como dispositivos pedagógicos para una Nueva Argentina. Buenos Aires: Editorial Biblos, 2021, 199 pp., ISBN 978-987-691-842-8.</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/843 Semiótica y afecto. El cine testimonial en la posdictadura 2021-12-07T16:47:10-03:00 Viviana Montes vivimontesgotlib@gmail.com <p>Sobre Verónica Garibotto. Semiótica y afecto. El cine testimonial en la posdictadura. Buenos Aires: Ediciones Imago Mundi, 302 pp., ISBN 978950-793-340-0.</p> <p>&nbsp;</p> 2021-12-20T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/844 Figuraciones de la otredad en el cine contemporáneo. 2021-12-09T04:54:30-03:00 Mercedes Alonso meralonsa@gmail.com <p>Sobre Mariano Veliz. Figuraciones de la otredad en el cine contemporáneo. Buenos Aires: Prometeo, 2021, 228 pp., ISBN 978-987- 574997-9. </p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/851 (Un)veiling Bodies. A Trajectory of Chilean Post-dictatorship documentary. 2021-12-09T06:08:31-03:00 Iván Pinto Veas van@lafuga.cl <p>Sobre Elizabeth Ramírez-Soto. (Un)veiling Bodies. A Trajectory of Chilean Post-dictatorship documentary. Oxford: Legenda, 2019, 219 pp., ISBN 978178-188-701-1.</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/846 Video boliviano de los ’80: Experiencias y memorias de una década pendiente en la ciudad de La Paz 2021-12-09T05:12:19-03:00 Paola Margulis paomargulis@yahoo.com <p>Sobre María Aimaretti. Video boliviano de los ’80: Experiencias y memorias de una década pendiente en la ciudad de La Paz. Buenos Aires: Milena Caserola, 2020, 376 pp, ISBN978-987-8392-55-4</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/847 Fictions of Migration: Narratives of Displacements in Peru and Bolivia. 2021-12-09T05:20:18-03:00 Mary Carmen Molina Ergueta mcmolinaergueta@gmail.com <p>Sobre Lorena Cuya Gavilano. Fictions of Migration: Narratives of Displacements in Peru and Bolivia. Ohio: The Ohio State University Press, 2021, 228 pp., ISBN 978-0814214657.</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/848 Peter Lilienthal. A Cinema of Exile and Resistance. 2021-12-09T05:27:19-03:00 Wolfgang Bongers wbongers@uc.cl <p>Sobre Claudia Sandberg. Peter Lilienthal. A Cinema of Exile and Resistance, 2021, New York, Oxford: Berghahn Books, 208 pp., ISBN 9781-80073-091-2. </p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/849 Women’s Cinema in Contemporary Portugal. 2021-12-09T05:37:04-03:00 José Duarte joseaoduarte@gmail.com <p>Sobre Mariana Liz e Hilary Owen. Women’s Cinema in Contemporary Portugal. New York: Bloomsbury, 2020, 272 pp. ISBN: 9781501349737. </p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/833 A fabulação intervalar das imagens em Jacques Rancière 2021-12-06T03:59:38-03:00 Ângela Cristina Salgueiro Marques angelasalgueiro@gmail.com Luis Mauro Sá Martino lmsamartino@gmail.com <p>Resumo: Este texto pretende explorar algumas das contribuições feitas por Jacques Rancière para uma reflexão acerca da imagem, trazendo, a partir de suas obras e textos recentes, os conceitos de fabulação, devaneio (rêverie), cena de dissenso, momento qualquer (moment quelconque) e intervalo (écart). Nosso intuito é evidenciar como Rancière demonstra, a partir de reflexões acerca do cinema e da fotografia, o trabalho e a agência das imagens na construção de imprevistos, de relações entre mundos e temporalidades heterogêneas, na redisposição de regimes de visibilidade e legibilidade que configuram a experiência. </p> <p>Palavras-chave: imagem, intervalo, cenas de dissenso, fabulação, Jacques Rancière. </p> <p>La fabulación intervalar de las imágenes en Jacques Rancière </p> <p>Resumen: Este texto pretende explorar algunas de las aportaciones de Jacques Rancière para una reflexión sobre la imagen, trayendo, desde sus obras y textos recientes, los conceptos de fabulación, ensueño (rêverie), escena disidente, cualquiera momento (moment quelconque) e intervalo (écart). Nuestro objetivo es mostrar cómo Rancière demuestra, a partir de reflexiones sobre el cine y la fotografía, el trabajo y agencia de las imágenes en la construcción de imprevistos, de relaciones entre mundos y temporalidades heterogéneas, en la redisposición de regímenes de visibilidad y legibilidad que configuran la experiencia. </p> <p>Palabras clave: imagen, intervalo, escenas de disenso, fabulación, Jacques Rancière. </p> <p>The interval fabulation of images in Jacques Rancière </p> <p>Abstract: The aim of this text is to explore some of the contributions made by Jacques Rancière for a reflection on the image, bringing, from his recent works and texts, the concepts of fabulation, reverie (rêverie), scene of dissension, random moment (moment quelconque) and interval (écart). Our aim is to show how Rancière demonstrates, based on reflections about cinema and photography, the work and agency of images in the construction of unforeseen events, of relations between worlds and heterogeneous temporalities, in the redisposition of regimes of visibility and legibility that configure the experience. </p> <p>Key words: image, interval, dissensus scenes, fabulation, Jacques Rancière. </p> <p>Data de recepção: 14/01/2021</p> <p>Data de aceitação: 21/06/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/834 Bromance y archivo de sentimientos. Una lectura marica del cine de Ezequiel Acuña 2021-12-06T04:14:01-03:00 Atilio Raúl Rubino atiliorubino@yahoo.com.ar <p>Resumen: Este ensayo realiza un acercamiento a los primeros tres largometrajes de Ezequiel Acuña ‒ Nadar solo (2003), Como un avión estrellado (2005) y Excursiones (2009)‒ a partir de los conceptos de bromance y homosociabilidad desde una perspectiva queer-marica y afectiva. Desde el punto de vista de las teorías de los afectos, la lectura en clave sexo-disidente de las películas no implica una interpretación cognitiva que tienda a develar los sentidos presentes en ellas (el deseo sexual elidido, por ejemplo), sino que permite enfocar en los modos de recepción afectiva y las posibilidades de construir comunidad en torno a un objeto de la cultura como el cine. Para eso, se vincula también el cine de Acuña con el de Martín Rejtman y Marco Berger de modo de proponer, finalmente, la idea de un archivo de sentimientos maricas, que confronte con la heteronormatividad y nos permita dar lugar a experiencias desviadas, fugadas y colectivas como espectadores. <br>Palabras clave: Ezequiel Acuña, bromance, homosociabilidad, afectos. </p> <p>Bromance e arquivo de sentimentos. Uma leitura marica do cinema de Ezequiel Acuña <br>Resumo: Este ensaio aborda uma aproximação aos três primeiros longasmetragens de Ezequiel Acuña ‒ Nadar solo (2003), Como un avión estrellado (2005) e Excursiones (2009)‒ a partir dos conceitos de bromance (brother + romance) e homossociabilidade desde uma perspectiva afetiva queer-marica. Do ponto de vista das teorias dos afetos, a leitura em chave sexodissidente dos filmes, não implica uma interpretação cognitiva que tende a desvendar os sentidos neles presentes (o desejo sexual reprimido, por exemplo), senão que permite focar nos modos de recepção afetiva e nas possibilidades de construir comunidade em torno de um objeto de cultura, como o cinema. Para isso, podemos também vincular o cinema de Acuña ao de Martín Rejtman e de Marco Berger de modo a propor, finalmente, a idéia de um arquivo de sentimentos maricas, que confronte com a heteronormatividade e nos permita dar lugar a experiências desviantes, fugazes e coletivas como espectadores. <br>Palavras-chave: Ezequiel Acuña, bromance, homossociabilidade, afetos. </p> <p>Bromance and an archive of feelings. A gay reading of Ezequiel Acuña's cinema</p> <p>Abstract: This article analyzes Ezequiel Acuña's first three feature films – Nadar solo (2003), Como un avión estrellado (2005) and Excursiones (2009) applying the concepts of bromance and homosociability that stem from a queer-gay and affective approach. The interdisciplinary theories of affect allow for a queer reading of these films that does not imply a cognitive interpretation aiming to unveil meanings such as the elided sexual desire, for example; rather, it allows for focusing on the modes of affective reception and the possibilities of building a sense of community around an object of culture such as cinema. Finally, Acuña's films are linked to Martín Rejtman's and Marco Berger's in order to offer the idea of an archive of gay feelings to confront heteronormativity and allow for collective deviant experiences as spectators.</p> <p>Key words: Ezequiel Acuña, bromance, homosociability, affections. </p> <p>Fecha de recepción: 19/05/2021 <br>Fecha de aceptación: 06/10/2021</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021 http://www.asaeca.org/imagofagia/index.php/imagofagia/article/view/850 La Historia posa sus ojos en ti 2021-12-09T05:42:18-03:00 Ela Mertnoff elamertnoff@gmail.com <p>Crítica de Hamilton (Thomas Kail, 2020)</p> 2021-12-11T00:00:00-03:00 Derechos de autor 2021